[艺术心得] 孙其峰画语录——感人至深 澄澈肺腑（1）

八十多年的绘画艺术结晶——《孙其峰画语录》弥足珍贵。这是孙先生送给世人珍贵的礼物，也是一笔无法估量的精神财富。这无论对功成名就的画家，或者仅仅是钟情书画艺术的爱好者，抑或用时髦的话来说，是孙先生的“粉丝”，都值得认真阅读，潜心钻研，深刻领悟……这里字字珠玑、句句至理名言，把深奥的艺术理论说得浅近、直白，对当今的书画艺术的现状以及未来的发展，都给人以深思与启迪。

座右铭

知足，知不足，不知足。

“知足”，是对待生活我已经很知足了。要求不高，能吃饱就行了，也不想穿什么好衣裳、坐什么车都行。

“知不足”，是自己自律吧，审视自己不足的，不管是绘画技法也好、思想认识也好、待人接物也好，都有不足。

再一个“不知足”，是指对治学的心理状态，就是对好多书像欠了账似的，看过的还想再看看。

舍弃台阶才傻呢

艺术是一座高不可测的险峰。献身艺术的人都应该是甘于寂寞的苦行者。但有的人既有志于国画艺术，又漠视传统，这就糊涂了。传统是前人不断探索中给后人铺设的台阶，你舍弃石阶，自以为是地去冒险爬那个人迹罕至的悬崖峭壁，那才傻呢。

舍弃石阶，难登险峰；拾阶而上，何乐不为？传统博大精深，你继承了多少，台阶就有多高。继承得越多，离艺术的险峰就越近，就越省力气。这是个很简单的道理。就怕聪明人算不过账来。

尊重地基

传统和创新是艺术创作中的一对矛盾，有生命力的艺术品都是传统和创新的统一体。我想，离开传统的艺术是无根之木，没有创新的艺术是不流之水。传统好像是地基，新房子盖好了它也看不见了，买房子的也没有谁去买它，但是你可少不了它，而且楼盖得越高，地基就更要打得厚实点，不然新楼也要倒的。不尊重传统不对，而尊重传统的人，过了度，无原则地崇拜传统，用继承传统代替创新，认为是传统就都是好的，这也不对。

我们写字画画的，谁都有写得不好画得不好的，我就亲眼看到黄胄画画，两笔三笔不满意，一下子就撕了。据说齐白石向来不撕画，一张画总能画完，我可没看见。像齐白石不撕画也好，黄胄撕画也好，不管是谁画画都有好有不好。那些年代久远又有争论的东西，现在只能看看好坏，好的你就继承，不好的你就丢掉，传统多了肯定要有选择地继承。

新旧与好坏

“新”这个概念十分重要，新的跟旧的是一对矛盾，以前没有的现在有了就是“新”。艺术追求“新”是人类不断进步的体现，这是肯定的。但是艺术不是光要你“新”，还要你好。今天你创造了好的它要，如果明天你创造了坏的，它是不要的。“新”跟好坏是两个概念，新的有好有坏，旧的也有好有坏，而且随着历史的发展，新的都会变成旧的。无论新与旧只要它是好的，即使时过境迁了，它还是可以发射出光芒的。

“新”的概念应该包括它是新的也是好的，如果它是不好的，在艺术上就站不住脚。它是新的，但是特别不好，谁见了就恶心，这能站住脚吗？所以新的必须是好的。要是新和好两个字不能同时都要，那么，我觉得你要那个好的别要那个新的。

所有新的东西都要变成旧的，所有好的可不会转化成坏的。即便好的标准是会随着时间的变化而变化，好坏还是有区别的。好坏的标准虽然不是永恒的，但总是有的。王羲之《兰亭序》问世多少年，也有极少数人出来反对，但是这些人还是站不住脚的。

技术不等于艺术

中国画不是技术而是一门艺术，应该看重它的艺术性而不是技术性。画面虽然离不开技术，但是用技术性的东西来等同艺术性是不对的。技术性的东西解决不了艺术创作中的根本问题，所以大家在品读一张画的时候，要多看其中艺术家的修养与艺术感觉，而不能简单地由技术性的东西去推论一张画的好坏。这是尤其值得注意的。

中国画像所有的艺术形式一样，当然也需要变革，因为时代在变化，“笔墨当随时代”。但是，中国画的变革应该是一种渐变，它不会出现西方那种与现代主义有关的颠覆性变革。但是每个时代对于艺术的标准是不一样的，每个时代对于“大师”的概念也会不一样，你要是把齐白石的作品拿到宋朝去，那时的人也会接受不了。

仙鹤为什么上了松树

有一位鸟类专家说,，仙鹤是生活在沼泽地的，历代国画家往往把仙鹤画在松树上是不符合自然规律的。我以为，当自然真实与艺术规律发生矛盾时，画家们往往服从艺术规律。例如，小说里有猪八戒、孙悟空，你在生活里哪能找到这样的人物？但人们都认可，因为这是典型的艺术形象。历代画家们习惯把仙鹤画在松树上，表达延年益寿的寓意。这与汉字的造字法有异曲同工之妙。仙鹤与松树的结合也是一种会意。汉字与国画的相通由此可见一斑。过去有个老艺人画仙鹤，往往画得并不完全符合解剖，但姿态却很美，颇可参考。

自然科学的一套，在他那个领域，可能得100分，生搬硬套到艺术领域，尤其是国画领域可能只能得0分了。

存钱与取款

国画讲究“师造化”，用现在的话来说就是要写生，要出去画速写，这就好比是到银行存钱，到创作时就好比是取款。平时不存钱，不积累，到紧要关节时只能干瞪眼，即使勉强画出来，也必然十分苍白。失血的东西总是难有生命力的。我今年已经90岁，之所以还能画，还能出作品，没别的，就是因为当年舍得存钱，舍得坚持不断地存钱。没有当年的写生的功底，没有当年速写的锤炼，现在脑子里一片空白，那就连赊账的地方都没有了。

喝牛奶不会长犄角

艺术需要适当夸张。京剧里的脸谱就是夸张的，你在现实生活中哪里找这样的一张脸呢？但也要有个“档”（哲学上叫做“度”）。打个比方，喝牛奶不限量，作用只是强身健体，不能长出犄角来，成了怪物，那就要不得了。驴子的耳朵可以适当画长一点，但你如果画得短了，那就成了另外一种动物——骡子了。

下笔快好还是慢好

可染先生多次跟我谈到行笔过快是画家大忌，是江湖气。我作为他的老学生，不敢苟同。我认为作画的好怀（水平的高低），与用笔的快慢没有关系。用笔慢的固然不乏大家，如黄宾虹、齐白石……用笔快的大家也不少，如任伯年、傅抱石、胡佩衡、萧谦中等。可染先生是属于用笔慢的一路，他反对行笔过快是理所当然的，因为他不是理论家。画家总有自己的“偏见”，而这种偏见正是画家自己的特殊风格的指导思想，不足为怪。

为了吃饭与为了取乐

可染先生认为必须把与文人画同时存在的那些“作家画”与匠人画一起比较看才能说清楚。文人画作者是文人（不像现在有的新文人画的作者，自己并无半点学问）这是不用辩解的。文人当然有学问，有修养。对比看一下那画，“行活”（即匠人画）的匠人（俗称花匠）却是没有什么修养，甚至是文盲。文人作画是为了取乐，如同下棋、钓鱼一样；匠人则不然，他们画画是为了吃饭。文人们画画为了消遣，是乐于干，匠人们为了生活不得不干，岂可同日而语？在文人与匠人之外还有一批画画的专业画家（如以画为生的一大批专业画家、皇家的宫廷供奉画家），这些人也是以画为业的，他们与文人不同的是技术熟练（多方面修养不如文人），以画为主。这三种人之间的界限除匠人与文人界限清晰外，文人与那些专业画家有时不太好分。

巧与拙

“拙”和“巧”虽然是两个完全相反的概念，但在艺术创作和艺术作品里，二者却是既矛盾又统一地结合在一起。这就是人们常说的“巧拙互用”。“巧”的作品，往往失之于小巧玲珑的小家气，如果参之以“拙”，那么就可取得“巧而不小（小家气）”的效果。“拙”的作品，如果一味地用“拙”，恐怕也很难成为艺术。因此在“拙”的作品里也必然结合着巧的成分。如上面说过的齐白石大师的凝重、浑拙的墨笔中雏鸡里的泼墨法，巧妙地表达出了小鸡的毛茸茸的质感，谁又能说这不是巧呢？

到底应如何理解“拙”呢？从书法上（包括绘画的用笔）看，那就是所谓“生”；从绘画上看，那就是所谓“不似之似”或“似与不似之间”的“不似”的一面。“生”，不是真正的生，是熟后的“生”，是用来防止“油”、“滑”、“庸俗”的生。这个“生”就是“拙”字的同义语。绘画上的“不似之似”的“不似”一面，只是一种手段，最后是要似的——也就是“神似”。这里所说的“不似”，在很多情况下正是这个“拙”字。由此可见，在艺术创作上，人们不满足于熟，熟了还要返“生”；不满足似，似了还要“不似”，也不满足于巧，在巧之外还要求“拙”。