2005年毕业于川美，杨勋是中国当代80后优秀艺术家的典范。他的绘画与传统有着千丝万缕理性却又克制的关系。在杨勋的艺术作品中，时常出现园林、戏曲人物、假山石、花和竹子等中国传统文化元素。他擅长以“光”为搜寻记忆的媒介和手段，定格历史瞬间，凝固时光永恒，构建过去、现在和未来的联想。一直以来，杨勋试图通过艺术创作复活某种美学传统，他被誉为“新东方美学” 年轻一代的优秀代表。本期我们和EST时尚平台创始人Tracy Huang一道探索杨勋的艺术世界。
杨勋
01
艺术家探秘
穿越时空记忆
杨勋：重庆人，早年求学于川美附中，后保送至四川美术学院油画系。少年时期的杨勋，学业优异，从小接受艺术的熏陶，数十载如一日的绘画学习，对绘画与艺术有着浓厚的兴趣。川美附中四年的求学经历对杨勋来说是艺术道路的萌芽，不仅训练了杨勋扎实的绘画功底，还让他对艺术以及成为一名职业艺术家开始了初步的思考。川美附中毕业后，杨勋被顺利保送进四川美术学院的油画系，正式开启了其迈向艺术梦想的奋斗路途。
《三神灵光 – 落日橙》158x290cm 布面油画 2021
一直以来，艺术圈内人士谈及川美的传统学科的时候，油画永远是名列前茅。1977年下半年到1978年初，川美迎来了恢复高考后的首届新生，这些学生后来成就了名垂中国当代艺术史中的川美“77、78级”明星班艺术家；这些学生里，有后来在中国当代艺术史中留下浓墨色彩的张小刚、罗中立、何多苓、周春芽及程丛林等，基本上构成了如今中国油画界的半壁江山。因此，在这样的背景光环影响下，自小就出类拔萃的杨勋自然秉持着“要选择，就要选择最强的”从而选择了川美油画专业进行深造。榜样的力量与至上的热爱使然，加之其扎实的基础训练内容，致使“油画”这个专业性强的艺术门类极大地还原了杨勋的绘画语言与艺术表达，使其在后来的艺术发展中，颠覆所有观者对油画一直以来秉持的传统印象。
自大一开始，杨勋在学习的同时基于少年时期和川美附中所练就的过硬的绘画功底他便潜心投入了艺术创作中。杨勋认为：这一方面，得益于川美平等、自由、开放的教学理念，让学生能够更自由的发挥所长；另一方面，也是川美在每个个体上寻找差异性，引导学生在独特性和艺术个性上发掘与发展，从而达到因材施教的效果。川美每学年的学生作品展是杨勋艺术生涯中展示作品的第一个平台。从大一到大四，杨勋每年都参与并每年拿奖。于是，从大一就开始拥有自己作品的藏家的杨勋，还获得了他当年的任教老师陈卫闽给杨勋上大一第一堂写生课时的评价——一个字“稳”！
《光，一切从这里开始》200x250cm 布面油画 2014-2015
也是从这时期起，杨勋已经不自觉地开始往职业艺术家道路上发展。 “其实，对一名艺术家来说，最重要的是自信的建立。我们这一生也是不断建立自信以及思考如何在这个世界找到自己独特的位置的一生。”在谈及当年美院老师对其的鼓励与肯定所产生的价值时，杨勋分享到。
2006年是中国当代艺术至关重要的一年。这一年，中国艺术家张晓刚作品首次在纽约苏富比拍卖行以100万美金的高价拍出；这一年，也是画廊首次在中国艺术市场兴起；这一年，杨勋参与毕业艺术展并从川美顺利毕业。《古忆·庭院春色》这个“园林”系列的“初代产品”，也首次亮相在人们视野中，成为杨勋借苏州园林来对话中国传统文化的一个开端系列。《古忆·庭院春色》系列也与后来让杨勋在当代艺术圈崭露头角的《游园惊梦》系列有密不可分的递进式关系。
《古忆·庭院春色》180x180cm 布面油画 2005
02
庭院春色到游园惊梦
东方园林中的艺术精灵
2004-2008这几年间，杨勋一直在不停地创作《古忆·庭院春色》这个系列作品。都说少年不知愁滋味，为赋新词强说愁。而在杨勋的作品中，尽管通篇黑白色感，却感觉不到“压抑”。作品中的“园林”细节：荷叶挺拔而硬健的，石头清爽而干净的，树木虽稀疏，但却焕发新芽。杨勋的作品，带着一丝不属于他这个年龄与时代的气息，为我们营造了一个仿佛记忆中的世界。这大概与这一时期杨勋独特的艺术创作感官有关。相比近些年来杨勋作品中逐渐明亮而闪耀的光芒，其早期作品中的“光”是暧昧的，如梦魇一般，这些“光”作为可使其进入园林场景的介质而出现，一直伴随杨勋的心境变化而存在。所以“光”不仅是内心所需的某种通道，也是他身为画家的主视角设定，由此引导观者进入他的精神世界。用他的话说：“‘光’让我与‘园林’真正开启了对话。”
《游园惊梦》200x305cm 布面油画 2008
这也坚定了他艺术创作的未来要跟中国传统文化对话的主旨。2011年，毕业仅6年的杨勋获得了“BMW宝马年轻艺术家扶植计划”的扶植。BMW提供艺术经费、资助其个人画展、出版个人画册等方式为杨勋的艺术创作提供为期1年的赞助。对于毕业后转战北京不到一年的杨勋而言，这无疑是一场“及时雨”，解决了当时他在除艺术创作以外的挑战，也对2012年杨勋在北京举办的“游园惊梦”个展的成功起到决定性的关键作用。
从重庆到北京，一城回忆，一城写意。重庆作为艺术家杨勋从小生长的地方，演变发展为如今中国第一大网红城市，拥有独一无二的赛博朋克般的魔幻现实主义风格。从这座西南重镇出走多年的杨勋如今回顾这段经历后惊觉：这座城市在艺术绘画创作中的独特灵感魅力。杨勋认为他早期的《游园惊梦》便是在创作他自身意识中对重庆这座城市的记忆。然而生长于重庆这座工业城市的杨勋，却对江南园林有着一种与生俱来的好奇心。初见苏州园林时的惊鸿一瞥，激发了杨勋作为园林旁观者的诸多思索，这种思想上的探索感恰似游园惊梦的感受。
《游园惊梦》150x100cm 布面油画 2008
而北京对于杨勋而言，是现代却又蕴含着千年古典传承的，它更像是一个”国际平台“。杨勋认为“你所有做的作品就要在北京这样的一个超级文化中心去展示、交流和保存。北京的文化既是中国的文化又是全世界的文化，所以北京对我艺术生涯的成长尤其重要。
03
形式上的古典美学
精神上的继承与反叛
现在，当我们欣赏杨勋的系列作品时，我们能看到很多传统的、古典艺术美学的身影。“园林”是杨勋创作中绕不开的母题。它作为中国传统文化的经典，符号性极强，是中国天人合一的宇宙观的微观呈现，除此之外“园林”还有许多的特质持续吸引着他去探寻。
杨勋最早选择园林更多来自一种感性的迷恋。在他看来，园林既存在于现实，又恍惚存在于梦境，所以他的作品自然地呈现出了一种似梦非梦的状态。在他看来“古典意象是一种精神延续，也是我的态度表达。在这种古典绘画美学中，需要用一种慢节奏的状态去抵抗现在快节奏的时代背景。我常常需要花几年甚至更多的时间来完成一件作品，我希望用这样的态度以及工作方式，用古典美学和精神追求来唤醒当代人更多的思想意识。”
《灵石抱松》60x45 cm 布面油画 2019
中国古典传统意义上的绘画，往往比较写意，也代表了很多艺术家的哲思。而反观杨勋的作品，圆形构图、温润毛笔笔触、明暗调子交相呼应以及工笔气质的点缀......这些元素叠加起来仿佛构建出一种明显的形式上的繁文缛节。这是杨勋在艺术作品中极力营造出给世人观摩的表象：一方面基于传统美学被纯粹描绘成一种表面化的视觉景观；另一方面，绘画的视觉本性又被精巧地呈现出来。因此，我们在欣赏杨勋的艺术作品中时常感受到一种纯粹的视觉上的愉悦。
在这种纯粹的视觉感官中，杨勋用光线强调作品中观者的体验性。每一幅作品中几乎每一幅都会有一束强光出现，在画面上形成一片耀眼的光斑，这一束束形状位置各不相同的光线点缀着画面，构成了杨勋作品中一个显著的特色。曾有艺术评论家评论杨勋的创作历程认为：这是“剧场探照式的光转向均匀的平光，又转向灵光，这个过程它代表一种杨勋由外向内、从观走向想、从体到悟、从肉眼到心眼的创作过程”。
《淡淡冷雨夜》75x75cm 布面油画 2011
《万枝丹彩》133x217cm 布面油画 2016
其实，在杨勋踏入绘画艺术创作这十六年间，也是其用光探照万物的一个过程。从《游园惊梦》系列作品伊始，到《花》系列，杨勋慢慢用一些自然的光线和一种他认为似万物起源的光点来赋予“花”在其最旺盛的生命力时所定格的瞬间表现，以此隐喻：他曾有的一段时间的创作沉寂期。当《游园惊梦》让其达到艺术生涯的第一个至高点后，杨勋直言：“自己出现一种莫名的不适应，一种高处不胜寒的感觉由然而生。对万事万物的好奇心突然消失，陷入一种沉寂，他不知道该如何继续画下去？失去了在创作上的欲望和激情。”直到后来，他慢慢开始一点点用光去探寻他的创作，从用光观看一朵花的生长开始，重新建立其对事物的好奇，从这些花朵上感受到的强烈生命力让我重新焕发出了新的创作激情和自信。”在其缓慢寻找新的创作热情的过程中，杨勋感知到一些散光漂浮在空中，像万物有灵一样激发着他，随之便创作出了“花之光”，再由花到竹，画出竹之光。就在9月26日于北京开幕的最新个展“隐香”中，我们看到杨勋最新的“虹竹”系列新作品中所呈现出来的红幻彩色的彩虹竹·光画面，这是他生命中激情再次迸发的至高状态。
杨勋个展《隐香》现场
杨勋个展《隐香》现场《虹竹-加利福尼亚的猜想》160x120 cmx3 布面油画 2021
《虹竹》No.3 200x150 cm 布面油画 2021
与人文主义传统中的绘画不同，杨勋的光更想要去突出光线本身从而将观者的体验充分仪式化，并使这种仪式具有一种神圣的品质。“光”本身就在杨勋的视角里，光与传统教派密不可分。“圣经里，神说有光世界便有了光，光的本身带有一种神性，是一种精神化的象征；在佛教里，佛光就是灵光。这些光肉眼并不可见，却是大家所需要的。在物质层面，光折射到一个物体上，肉眼才能看见物体。而花之光、竹之光系列我想要表达的是自然生命物体本身所散发出的生命光芒，它代表着未来，代表着其本身的精神和灵魂性”。这个光一直伴随着杨勋在创作绘画艺术作品时对万事万物的理解以及生命启示的思考。
《玉无双》No.2 30x40cm 布面油画 2018~2019
《花火》No.4 80x60cm 布面油画 2021
杨勋认为：“绘画里所呈现的光，在早期古典绘画教派中，是服务于宗教；到了印象派时期，更替为对自然光线的捕捉和追求；实际上都是与人、宗教和社会接轨的一个过程。人对精神世界的光的神秘探寻和崇敬，无论是从摄影还是摄像的角度，都需要借助自然光线来完成。而建筑的表达恰好与之相悖，建筑更多的是需要用本身所创造的结构让光与建筑发生关系，并借用光线去呈现各种角度变幻、相互辉映的美感。最后是绘画，在绘画的二维平面里去主动营造光的结构，通过光的结构让人去感受到一种跳跃性的观看体验。“光”在这些元素上不断地跳动，从而使这些花、竹子像音符一样构建成一部交响乐。”
《隐香》 150x200cm 布面油画 2021
不定位、不设限、平稳地专注创作本身。在谈及如何定位自己及自己的艺术风格时，杨勋谦和地表示：“没法去为了市场而完成作品”。一个艺术家对艺术独到而平和的追求在这一刻体现的淋漓尽致。根据自身的情绪和感觉专注创作当下，不解释不反驳，只等着时间去检验这一切，独然而超绝。
《缺席在场》100x67cmx2 布面油画 2021
借助非常具象的形式表达绘画的意识，这种具象的图像从传统而来，杨勋借此与传统对话并烘托出属于这个时代的精神及特质，这是一个比当年学生时期学绘画时更漫长而艰苦的过程，到了终点却永远没有终点。也许接下来的后辈或者更多的年轻人又会从他所创造的新东方古典美学的传统里得到滋养、找到属于自己的艺术养分。
04
如何看待时尚及NFT加密艺术
2017年芭莎慈善晚宴，明星安以轩和他的先生陈荣念以三百五十万的价格拍下杨勋作品《京1，8》加以收藏。在当时，杨勋就提出一个理念“艺术改善社会” ，该理念的本质是美学的重新普及和建构。身处在这个时代，他有一种强烈的作为艺术家的责任感，杨勋认为：艺术其本身是无用之用，但艺术是精神层面的构建，是精神世界的折射。因此，美学的重新普及和构建在杨勋看来是一件非常重要的事情，而慈善显然是最直接的方式之一。通过艺术作品或艺术本身去帮助更多需要帮助的人并通过传播这种带着善意的行为，让人意识到美以及其他艺术形态和意识之美，从而达成社会和谐而美好的状态。未来，杨勋表示会参与到更多的社会慈善组织及活动中去做一些力所能及的事情。
芭莎明星慈善夜
点击添加图片描述（最多60个字）编辑《京梦No.1》 布面油画 200x305cm 布面油画 2008
在国潮盛行的当下，杨勋在时尚芭莎慈善拍卖之后，其作品便受到诸多时尚界藏家的喜爱。在谈及自己如何与时尚跨界时，杨勋并不盲目随从，他分享到：潮流转瞬即逝，如果让他运用时尚的元素来进行创作，有违他艺术思想表达的初衷。同时杨勋也表示他想和现在流行的各种卡通、果冻、时尚流行文化、消费主义等青年创作主题风潮保持距离。他认为：“当所有人都在顺流而下的时候，总要有人逆流而上去寻找更本质的东西”。再说到国潮，国潮的实际意义就是中国的潮流，那其一定要有中国文化本身根的东西和形态出现，我的每个作品都跟这个主题有密不可分的关系，国潮它不一定只是一种样式化的艺术表达，它需要更多的精神内核在里面。因此，杨勋认为他是完全有可能去尝试一些尊重他的艺术理念的跨界合作，从而放大跨界方想要输出的文化概念。
《石竹谱》160x135.8cm 布面油画 2013
其次，对于当下人们所热烈讨论的NFT加密艺术，杨勋展现出他对这个信息科技时代的敏锐性。他认为NFT加密艺术是一种未来的艺术形式，它更加年轻化、数字化，让这个世界变得更加密切和无缝衔接。他也时常在思考：形式和时代是如何让之前所谓的艺术精英变成大众文化的？如何让更多人都能够更方便快速地理解艺术家的表达主题？“以竹子为例，我也会尝试一些新型的实验艺术形式，尝试让我的作品画面动起来，呈现出一种更灵动的艺术效果，然后把这个数字化的作品进行加密并发布。”他认为：“尽管时代的浪潮在不断地推陈出新，但新技术在艺术领域任何合理的、先进的、能够帮助传统艺术再次站在人们观感前沿的艺术变革都是值得认可和尝试的”。
《花火》No.3 80x60cm 布面油画 2020
《荧石与竹》100x133cm 布面油画 2021
对于更年轻的想要从事艺术创作的95后、00后如何走出自己的艺术道路，杨勋分享到：第一，要保持对这个世界足够的好奇心和激情，二者缺一不可；第二，要保持对艺术和大环境的敏锐度，对生活以及这个时代的感触要紧紧抓牢；第三，在艺术形式上要多尝试，无论是材料形式还是艺术风格。
作为新东方美学艺术的优秀代表之一，杨勋的艺术作品一直在打造东方美学的精神家园。“我就像创造了一座艺术的小岛，我希望未来有更多的小岛被更多人创造出来，也希望所有的人都能来我的这座岛上游玩。”
杨勋图片为艺术家提供
编辑总监 | Amber
责编 | Sarah Zhang
编辑 | Lynn
排版 | Elodie
协调 | Song
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