[名人轶事] 何家英｜孤独是艺术家最大的财富

何家英

何家英，1957年生于天津，河北任丘人，是当代中国画坛的著名工笔人物画家，1980年毕业于天津美术学院并留校任教。现任全国政协委员，中国美协副主席、天津美术学院教授、博士研究生导师、天津文史馆馆员。国家人事部授予“有突出贡献”的专家称号。四次连获天津鲁迅文艺奖-优秀作品奖，获国家“有突出贡献的中青年专家”称号。代表作品有《山地》、《十九秋》、《米脂的婆姨》、《酸葡萄》、《魂系马嵬》、《秋冥》、《朝*露*桑》、《舞之憩》、《杨开慧》等。

《秋冥》

何家英技法全面，从国画的写意、工笔到西画的素描、油画、水彩、水粉，无所不通，因此探索新的艺术形式时，尤显优势。他的作品注重对心灵的卓越表现和对人性的深刻关注，为中国人物画的创新作了富有成就之探索。先后到日本、韩国、印度、香港等地参加画展。被誉为“最有希望最有代表性的年轻一代画家”。

何家英为中国工笔人物画向当代性的转型做出了自己的贡献。他创造性地借鉴了中国工笔画的传统和西画中严谨扎实的造型技法，结合当代人的审美观点，创作出一大批洋溢着时代气息的作品。读他的画，会从中找到一种真诚细腻的激情和梦幻般的理想色彩。

《十九秋》

在何家英看来，画画本身就是一种审美理想，也是一种审美选择。一个人不可能只有一种理想，一种情怀，这就需要选择。对一个初入绘画门槛、尚未形成自己审美理想的年轻人来说，常常会借助别人已有的成果。

譬如，何家英早在中学时代便喜欢黄胄的水墨人物画，同学拿来一幅《阿娜尔汗》的印刷品，美丽灵动的形象、酣畅娴熟的笔墨，令他十分着迷，情不自禁地在自己的画中模仿起大师的风格。一直到他考上天津美院以后，追摹的仍是黄胄和石齐。他的毕业创作《海天归》、赴葛洲坝体验生活后创作的《春城无处不飞花》，无论是构图形象，还是笔墨技法，都可明显看出黄胄、石齐的影响。

与黄胄、石齐等前辈画家一样，何家英始终坚持从火热的社会生活中获得创作灵感，这是形成他写实画风的一个重要基础。在葛洲坝写生时，时值盛夏，炽热如火，何家英在大坝上遇到一女电焊工，红红的面颊，明亮的双眸，梳着两条大辫子，显得那么质朴、健康、爽朗。他不仅为她画了速写，下班后还随她上了工棚，认识了更多普通劳动者。“那个时代没有娇艳，没有轻浮，有的只是健康朴素的美，只要画家真心投入，真切表达即可……”何家英仿佛仍沉浸在那个激情燃烧的岁月。

但是时代在变化，当上世纪八十年代初，“伤痕文学”的出现和美术界西风东渐，使学术界思想空前活跃，对“文革”以来人物创作的“红、光、亮”提出了大胆质疑。何家英开始意识到：人物形象不能仅仅停留在表面的甜美热闹上，而应深入人物的心灵世界，丰富画面的内涵和意境。

这个时期，他构思创作了第一幅工笔人物画《街道主任》。这幅根据速写创作的人物画，一反“红、光、亮”，描绘了一位生活中再普通不过的街道胖老太太形象。著名画家汪国风看了这幅画后感慨万千，说：“你画出了我们这些年想画而没画出的东西。

何家英博采众长，不仅从传统中，也从西洋绘画中汲取营养。他超强的造型能力来自素描速写的长期锻炼；有关形象的观念来自西欧和俄罗斯巡回展览画派；而光影、空间、透视和质感等艺术手段的运用也受到西画的影响。“为何有些工笔画画得匠气？因为画家没从本质上理解表现对象，缺乏灵性，缺乏度的把握和控制。

工笔人物画要有境界，除此之外，绘画语言最为关键。语言不应被单纯看成一个技巧问题，它以画家的才情、格调、心智为支撑。琐碎、僵滞、纤弱、繁缛，这些‘工笔病’统统被称为‘匠气’。它们最终还是‘人’的病。我以为，深情、高格需用心养，用心不深，下笔即俗。相反，养心为用，其格必高，格高就有境界，所画就不小气。

何家英对传统中国工笔人物画向当代转型做出了重要贡献，他在创作时始终秉承着独特的理念。结合当代人的审美观点，创作出一大批洋溢着时代气息的作品。一方面他认为继承传统与创新是缺一不可的“一事两步”，真有传统者会重视创新，真在创新的人也不会攻击传统。另一方面，他在工笔画的创作过程中积极吸收西画的技法。何家英在探索中也找到了市场与艺术的平衡点。

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