作为中国抽象实验水墨最早的开拓者之一，杭法基这个名字在专业圈外，让很多人感到陌生。安于在安徽马鞍山市生活近60年，脱离主流话语体系和语境，他的创作实验是孤独的，也是自由的。2023年，他用一年时间投入到全新创作，78岁之时再次在北京举办个展，青年人的激情在他瘦削的身体内涌动，“殇土”就是这种能量的最新成果。
2023年杭法基个展“殇土”创作视频
杭法基与北京有两次重要交集。1988年为了中国美术馆的个展进京，2012年他将工作室从安徽马鞍山搬到北京宋庄，这一年他68岁。他对自己的人生没有办法做选择，唯一能够坚守的，就是自己对艺术的执着。
杭法基的工作室并不大，小一点的房间是起居室，起居室上面的二层是仓库，大一点的挑空房间是创作的地方。有时候画到尽兴，他甚至几天不出门，以至于邻居以为屋子里一直没人住。
2017年杭法基在工作室与刚完成的巨幅头像
《艺术栗子》在工作室与杭法基对谈之后，他信手拿来一张70厘米的画布，一把刮刀快速勾勒出一个肖像的轮廓。当我们以为这是一个结束时，他突然说：“最疯狂的来了！”刮刀以惊人的速度在画布上游走，滴、洒等多种手法过后，原本清晰的轮廓被打破，新的抽象作品展现在画布上。当作品完成后，杭法基已经气喘吁吁，画布上的力量感扑面而来。
杭法基在工作室创作
杭法基《失落的记忆》
殇土、乳胶 200×150cm 2023
杭法基《白色幽灵》
殇土丙烯乳胶 200×150cm 2023
欲揽狂草入画来，看似没有目的的“疯狂”，实际上充盈着艺术家对材料和工具的深厚经验，画面的走向则是艺术家身体上的直觉。以身体直觉创作，这在艺术史上屡见不鲜，多样的艺术家个体也丰富了艺术史走向和视觉感知。
杭法基身形瘦削，有着一口浓重的当涂话。一生在马鞍山画院任职的杭法基，坚持探索性的作品是不销售的，工资便成为创作的重要经济支柱。与艺术市场和江湖的脱离，某种程度上降低了他的曝光度和知名度，却也换得一方艺术实验的净土。
“殇土：杭法基作品展”展览现场
马鞍山是传说中李白醉酒捞月溺亡之地，颇有悲情主义色彩。在杭法基的身上，悲情主义与浪漫主义在他身上交织，谱写了一段人生的行板。
1988年，为了在中国美术馆举办的“杭法基现代水墨、拼贴画展览”，他在这一年频繁从安徽到北京。在北京的首个个展题目中，已经明确指明了杭法基早期的创作方向——抽象水墨与拼贴。
杭法基最初是以油画和水墨创作，直到1976年，他的作品中开始出现抽象水墨的“影子”。此后，受到马蒂斯和马瑟维尔等西方艺术家作品的影响，开始了一系列拼贴画的实验。其文其画80年代便见诸《江苏画刊》《美术》等专业刊物，1991年起接连受邀到美国举办展览。
杭法基《出土陶器》 拼贴
1986年《美术》杂志第5期发表
杭法基《野草荒烟天涯路》
纸本水墨 68x68cm 1998
20世纪70年代后期，中国艺术家受到新思想的激发，积极尝试新的艺术面貌。这股浪潮遍及中国的各个角落，身在马鞍山的杭法基就是其中的典型案例。
作为中国实验水墨的开拓者之一，他始终游离于中国的各种流派和运动之外，反而造就了他自由、洒脱的创作风格，没有受到民族主义裹挟，也没有流入喧嚣的宏大叙事。
20世纪80年代起，杭法基陆续创作了“魔方”“书象”“抽象水墨文人画”“消解”等近10个系列的作品，创作形式涵盖绘画、雕塑、装置。
杭法基《书象系列——墨书》
纸本水墨 79x86cm 2002
杭法基《魔方系列——塌陷》
纸本水墨 80x70cm 2008
虽然以水墨闻名，但杭法基早已脱离水墨这个单一媒介。如果说“魔方”是对结构的探索，“书象”则是回到中国式书写本身，挖掘艺术家个体的直觉。
2015年今日美术馆个展“一个人·杭法基水墨消解展”是重要转折点，以“消解”系列构成一个展览，也是他首次以观念为切入口创作，水墨也不再是作品中的主要媒材，“万物皆可用”大大扩充了媒材的范围。
杭法基《消解系列——老战士日记的消解》
综合材料、木板、日记、纸 936x234cm 2015
今日美术馆个展现场——黑与白的消解
尺寸各240x366cm 2011至2013
这种跨越对于艺术家来说是艰难的，不仅是技术层面的，更为重要的是打破既定的思维模式，重新建构语言逻辑。更为难得的是，这种变法发生在70岁之后，摆脱创作束缚和思想包袱的杭法基，可以自由实验。
前几十年杭法基安于马鞍山生活，他的心始终沉迷于国内外艺术前沿的思考，由此造成被主流遗漏与忽视。回到北京之时，赫然已经成为当代艺术界的遗珠。
在那个没有人理解他抽象水墨的小城生活，唯有创作上的“不安分”是他平淡生活中的乐趣。现在看到他重要的抽象实验水墨代表作，都是在马鞍山创作完成的，来北京后已完全进入“消解”这一当代艺术创作状态。
“殇土：杭法基作品展”展览现场
作品局部
“消解”系列源于对之前创作手法的厌倦，“殇土”则是一次偶然引发的心灵触动。2023年10月22日至11月21日，“殇土：杭法基作品展”在宋庄当代艺术文献馆展出，这是公众第一次真正看到杭法基酝酿数年的“殇土”。
宋庄当代艺术文献馆执行馆长吴鸿用“死土活用”来形容“殇土”系列的创作：“艺术家杭法基先生选择了中外历史上人类重大社会性灾难的发生地，并收集这些灾难发生地点中的泥土，以此为材料，形成了今天名为‘殇土’的展览，其出发点就是为了深究那些隐藏在泥土深处的人性之恶和制度之恶。”
杭法基《朦胧月色》
殇土、乳胶 200×150cm 2023
杭法基《奥斯维辛集中营中的犹太小女孩》
殇土、乳胶 70×50cm 2023
杭法基《蓝色影相中的白月亮》
殇土丙烯乳胶 200×150cm 2023
2016年偶然看到两本关于战争的书，杭法基深受触动。人类擅长遗忘，所以需要历史。这是他第一次有了将泥土作为材料的念头。
2017年起，在出国游的旅行团中多了一位奇怪的老人，别人看风景，他却在一边挖土。从公元前的长平之战到近代的南京大屠杀，从罗马斗兽场到奥斯维辛集中营，都留下了杭法基取土的足迹。有时朋友也会快递土到他的工作室，最终几十斤土在工作室砌成一个个麻袋拼起来的“土堆”。
2018年杭法基在奥斯维辛集中营遗址取土
“殇土：杭法基作品展”展览现场
杭法基的艺术实践中，有对当下社会现实的反思、警醒和思辨，这种创作逻辑是艺术家心灵的导向。从历史重大战争现场中寻找人类苦难，脱离“消解”的个人叙事，进入以“殇土”为主题的共同回响。
“对爱情的渴望，对知识的追求，对人类苦难不可遏制的同情心，这三种纯洁而无比强烈的激情支配着我的一生。”英国哲学家罗素的这句话给杭法基留下深刻印象，这也是他此生的追求——人类要对自己的苦难历程不断地回顾，发挥善意和爱。
“殇土”系列创作充满一种悲情意味，具象、抽象、意象等多种手法交替运用，杭法基不断推翻、寻找和创造新的创作手法和直觉，过程显得有些执拗，却又十分动人。
杭法基工作室
工作室内大大小小的盆，就是杭法基制作绘画颜料的主要工具。筛土、混胶、着色，几道工序下来，足以让人消耗大量卡路里。从早期拼贴创作起，乳胶就是杭法基经常会用到的材料，他觉得这种必不可少的黏合剂充满了力量。
从20世纪60年代早期开始学画，至今杭法基已经从艺近60年。岁月的经验存留在作品中，形成艺术家个人艺术史叙事。
杭法基《母亲》
素描、纸本 30×23cm 1965
杭法基《风月如梦梦如烟》
殇土等综合材料 200×150cm 2023
杭法基《垒叠》
装置、殇土等综合材料 120×90cm 2023
早期油画与水墨实践的痕迹清晰地呈现在作品中，造型和结构的西方化，画面内在的东方哲学。殇土上偶尔出现的麻线和蕾丝，就像无数柔软的灵魂共同在这方土地上寻找栖居之所。藏而不露、含而不露与飞扬的画面共同作用，时而涓涓细流，时而惊涛骇浪。
2018年杭法基与展出的巨幅头像
这种力量也体现在杭法基的创作状态中，由此也理解了他可以在70多岁时独立创作高达3.66米的《人物头像系列》，也可以在年近80岁之时，打破原有的自己。不到一个月时间完成2米×1.5米的九联画《生生不息》，展厅60多幅作品都是2023年创作完成。
立于这些殇土绘成的巨幅画作之前，黑色的笔触浸染着艺术家蓬勃的情感，时间仿佛闪回到那些历史性时刻，面前不再是艺术作品，而是生命铸成的坟墓。展厅外的喧哗被消解了，世界变得安静、肃穆，艺术凝固了苦难与悲情。
杭法基《生生不息》
作品局部
一滴水可以反映出太阳的光辉。杭法基能够在微小的事物中看到光亮，这是艺术家的感知力和洞察力。他的创作动力和热情，与修行者的超然、谦卑和克制交融，让两种能量在一个个体上共生。“殇土”是杭法基和世界的一次共创，对人类命运的关怀，让他走进了一个更辽阔的精神世界，他与自己共同回到了绘画本身。
“我要做一枚钉子。”杭法基工作室的一把椅子靠背上钉了个钉子，对谈当日，钉子和他一起出现，画面有点超现实。杭法基更像一枚柔软的钉子，将锋利的一面朝向自己，不断将自己打碎、重建。
2023年杭法基在工作室（背景为作品《生生不息》）
杭法基经常说“顺其自然”，他也是用这种理念让创作生长。“在艺术上，脚下能走的就是路。”对谈中的这句话，尤其让人印象深刻。
文字｜顾博、郭萌
图片｜宋庄当代艺术文献馆
杭法基、艺术栗子
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